Jean-Pierre Rampal

 

En 1969 el archiconocido flautista Jean-Pierre Rampal (propietario de la única flauta de oro macizo fabricada en 1869 por el gran artesano francés Louis Lot) y la veterana arpista Lily Laskine grabaron un recopilatorio de canciones tradicionales japoneses convertidas a un formato netamente clásico. Fue lanzado por el sello fracés Erato, especializado en grabaciones de este género. Rampal por aquel entonces era el maestro de flauta más famoso del planeta, tocando con innumerables orquestas y con otras tantas celebridades. Durante los años 60 emprende numerosos viajes y realiza múltiples aportaciones musicales. Su alcance se extendió mucho más allá de lo ortodoxo. Junto a la avalancha de grabaciones clásicas, grabó canciones folclóricas catalanas y escocesas, música india con el sitarista Ravi Shankar, y, junto a la mencionada Lily Laskine, el álbum que presentamos hoy en nuestro blog, cuya importancia le llevó a ser nombrado el mejor del año en Japón, tras lo cual se hizo adorar por una nueva generación de flautistas japoneses emergentes.

“Melodies Japonaises Pour Flute Et Harpe” es un compendio de composiciones clásicas japonesas del siglo XX, cuyos originales eran tocadas con instrumentos tradicionales de este país, tales como el koto o el shakuhachi. La obra empieza con una interpretación de una pieza de Michio Miyagi (1929), “Haru no Umi” (el mar en primavera). Luego continua con dos canciones de cuna, “Cuhgoku Chi Ho No Komori Uta” (1938) y “Aka Tombo” (1927) de Kosaku Yamada, entre otras impecables canciones.

Tanto Rampal como Laskine tuvieron que estudiar estas piezas en profundidad para lograr una eficiente adaptación a sus instrumentos europeos, cuyo resultado fue una obra de alta calidad y simpleza. En particular, la flauta de Rampal, cálida, vibrante y técnicamente perfecta, se compagina con los hermosos acompañamientos del arpa de Laskine. “Melodies Japonaises Pour Flute Et Harpe” es un viaje al país del sol naciente, un disco épico que le valió para que muchos años después, en 1994, el embajador de Japón le entregara la “Orden del Tesoro Sagrado”, la más alta distinción otorgada por el gobierno nipón en reconocimiento por haber inspirado a una nueva generación de aspirantes a flautistas en su país.

Aquí os dejamos con el trabajo. 100% sonido vinilo rescatado de las cloacas de Berlín.

¡Disfrutad!

Furusato No Min'yō

Hoy vamos a sumergirnos en la música tradicional japonesa. “Furusato No Min'yō” es una palabra compuesta por “Furusato” (de donde eres tú) y “Min'yō” (canción popular). El término min'yō es utilizado a veces también para referirse a las canciones tradicionales de otros países, aunque se necesita un adjetivo que lo preceda: "Furansu min'yō" (canción folclórica francesa), o en su caso "Nihon min'yō" (canción popular japonesa).

Muchas canciones de este género están relacionadas con oficios antiguos, y fueron cantadas originalmente mientras trabajaban o en el descanso. Otros min'yō funcionan simplemente como entretenimiento, como acompañamiento de bailes o en rituales religiosos. La mayoría de las canciones folclóricas japonesas relacionadas con el trabajo se cantaban originalmente a capella, ya sea en solitario o en grupo. Algunas canciones exhiben el mismo tipo de canto de "llamada y respuesta" que se ve a menudo en la música negra del sur de los Estados Unidos o en las culturas andinas del cono sur americano. Sin embargo, durante el período Edo, y en adelante, se añadió acompañamientos melódicos de instrumentos tales como el shamisen, el shakuhachi y el shinobue. Los instrumentos de percusión, especialmente los tambores, también fueron incluídos en el acompañamiento de min'yō, sobre todo cuando esas canciones se utilizaban en danzas o ceremonias religiosas.

Durante el siglo XX este género musical ha evolucionado para convertirse en melodías altamente virtuosas. De hecho, min'yō es ahora una forma de música artística, a menudo estudiada por profesores profesionales que pueden conceder a sus estudiantes títulos académicos de prestigio. Además, se han creado cientos de "sociedades" (los hozonkai) que tratan de preservar las canciones en sus formas más tradicionales y antiguas.

Para muchos japoneses, min'yō evoca una nostalgia de las ciudades imperiales o mitológicas, y de la familia; de ahí el dicho común entre los practicantes y aficionados al género: "el Min'yō es la ciudad del corazón". Y con este dicho os dejamos que disfrutéis del siguiente álbum que aglutina una amplia gama de canciones Min'yō, cuyo disco vinilo fue comprado a Taishi Nagasaka, Dj japonés afincado en Berlín.

Chis Hinze & Raghunath - Chintan

La contracultura surgida en Estados Unidos durante la década de los 60 marcó un punto de inflexión para una juventud que se sintió libre de las ataduras morales que el sistema les imponía. Se produjo un desarraigo de lo establecido y una búsqueda de nuevos arquetipos existencialistas. La mirada de los músicos de Occidente se fijó, entonces, en los países exóticos, la mayoría de ellos excolonias. Los Beatles lo pusieron de moda cuando en febrero de 1968 viajaron a Rishikesh, en el norte de la India, para asistir a una sesión de entrenamiento de Meditación Trascendental con Maharishi Mahesh Yogi. McCartney, Harrison y Lennon se dejaron crecer las melenas y la barba al estilo de los gurús de postín, y regresaron al Reino Unido con un puñado de instrumentos orientales, incluyéndolas en sus producciones musicales. El Jazz también se hace eco de esta nueva corriente espiritual y nace el “Spiritual Jazz”, entre cuyos músicos podemos nombrar al gran John Coltrane o Don Cherry.

 Esto fue el germen de lo que poco después se llamaría “New Age”, una corriente pseudorreligiosa-musical elaborada por productores de Europa central y del norte, la cual tiene su eclosión durante los años 80 y nos dejaron músicos como Holger Czukay, Brian Eno o Tangerine Dream. Y En este punto debemos hablar del pianista y flautista holandés Chris Hinze.

Chris Hinze viaja a Bombay en 1974 y se hace discípulo del maestro de bansuri Raghunath Seth, de quien aprende técnicas de improvisación. El resultado de muchos años de enseñanza está plasmado en este disco grabado en los estudios de Radio Gems Bombay en 1982, en el cual maestro y discípulo, rodeado de un elenco extraordinario de músicos indios, nos muestran lo más hermoso y profundo del raga. Las largas escalas improvisadas nos sumergen en un estado casi de meditación.

¡Disfrutad del álbum completo!    

Chaco & Hell's Angel

Hace unos meses me colé en un evento muy especial en Neukölln con música, gastronomía nipona y venta de vinilos. Fue todo un descubrimiento, pues tuve la oportunidad de escuchar bandas japonesas de pop/rock de los 60 y 70 y hacerme con el disco que vamos a analizar ahora. 

Chaco & Hell's Angel formaron parte del movimiento "Group Sounds", a menudo abreviado como G.S. o G-Sound, es un género de música rock japonesa que se hizo popular a mediados de los 60 y principios de los años 70, con lo cual se inició la fusión de la música japonesa kayōkyoku y la música rock occidental. Éste es el tercer álbum de la banda, en el cual se desctacan los arreglos de Asano Takashionore. "Rock and Roll Prince", "crazy in love", "outside'm cold" y otros temas se encuentran en este expléndido trabajo.

Hay escasas referencias de esta banda en inglés. No obstante, os recomiendo que escuchéis el álbum y saquéis vuestras propias conclusiones. Para mi: un soplo de música positiva con acento kanji.

Thonghuad Faited

Vamos a sumergirnos en el universo sonoro del "Sor", un instrumento de dos cuerdas procedente de la cultural de Isan (noroeste de Tailandia), cuyas notas suenan como un violín. En especial, queremos mostraros al artista Thonghuad Faited, quien grabó para el sello EM Records en los años 70 un álbum imprescindible para nuestro catálogo de música del mundo. Su estilo se caracteriza por sus alegres melodías a través de inquietas notas que podrían provenir de una tierra tan lejano como el este de China, o sonar incluso a las tradiciones celtas de Irlanda. No hay que olvidar el influjo de la psicodelia en su música, bastante presente en el estilo del álbum.

Es su álbum  'Diew Sor Isan : The North East Thai Violin of Thonghuad Faited' una recopilación de los cinco conciertos por noche que solía hacer en Bangkok en la cima de su fama. Thonghuad Faited fue un maestro de su instrumento reconocido a nivel nacional que además ha tocado con docenas de cantantes establecidos a lo largo de los años, como Waipod Petchsupan y Angkanang Kunchai. 

Os dejamos con el álbum completo de Bandcamp. ¡Disfritad!

Duplessy & The Violins of the World

Un puente entre dos mundos. Una unión de culturas bajo el estandarte de la música universal, la música del mundo. Violines chinos, guitarras de caravanas, cánticos de la lejana Mongolia y ritmos que sugieren desde paisajes esteparios a valles verdes se fusionan en este interesante proyecto musical encabezado por el multi-instrumentalista y viajero de origen francés Mathias Duplessy, en conjunción con tres violinistas excepcionales, el escandinavo Aliocha Regnard, el chino Guo Gan y el mongol Enkhjargal Dandarvaanchig; cada uno de ellos con su tradicional instrumento a cual más virtuoso. 

Esta formación a recorrido los mejores festivales de música del mundo. Su estilo es una panacea para conocer diferentes sonoridades, una mezcla de folclore mongol, tradición china, blues callejero o templanzas celtas. No me cabe duda que este grupo me ha sorprendido, llevándome con su música al calor de una hoguera nómada. Os dejamos con su disco completo y un vídeo en directo. ¡Disfrutad! 

A-WA

A-WA es la personificación de la música joven, dinámica y vanguardista de Oriente Medio. La banda está formada principalmente por tres hermanas (Tair, Liron y Tagel Haim), las cuales se inspiran en la historia oral de los cánticos de mujeres yemeníes. Estas chicas nacieron en una pequeña comunidad de 30 familias al sur de Israel llamada Shaharut. Sus padres tienen orígenes diversos: de padre judío-yemení y madre ucraniana-marroquí, de ahí el toque de fusión que las rodea.Todas ellas nacieron en un ambiente musical rico. Tair es licenciada en música por el Levinsky College, Liron es arquitecta y Tagel es diseñadora gráfica e ilustradora.  

Las hermanas Haim fueron descubiertas por Tomer Yosef, líder de Balkan Beat Box, quien produjo el sencillo Habib Galbi (Amor de mi corazón, en español), cuyo debut se hizo mundialmente conocido. Paradógicamente este tema es una versión de los años 60 del cantante Shlomo Moga'av. 

Sus principales influencias pasan por el Hip-Hop, Reggae, Música Electrónica y las voces tradicionales de su tierra. Esto hace que A-WA tenga un toque refrescante cuando cantan sus canciones en judeo-árabe. Os dejamos con un videoclip, donde podréis degustar este manjar musical con sabor a dátiles y aroma del desierto. 

Trilok Gurtu

Nacido en Mumbai (India) en 1951, Trilok Gurtu nació en el seno de una familia vinculada al mundo de la música. Su padre fue un reconocido citarista, y su madre una cantante famosa de folclore hindú.

Trilok Gurtu aprendió a tocar las percusiones, alcanzando la categoría de virtuoso, logrando un extenso elenco de colaboraciones con los mejores artistas de Jazz y de la Música del Mundo, además de tocar otros géneros. Músicos como Salif Keita, Neneh Cherry, Asian Dub Foundation o John McLaughlin se sintieron atraídos por la técnica de Trilok, cuya sensibilidad encajó perfectamente en sus estilos, siendo parte de sus bandas, en unos casos, o solamente cooperando, en otros casos. Pero no sólo ellos recibieron las gracias de este increíble percusionista, sino también Joe Zawinul, Jan Garbarek, Don Cherry, Pharoah Sanders o Dave Holland introdujeron los tintes indios en sus obras. Alcanzó tal reconocimiento que incluso durante los 90 Trilok llegó a telonear a las mega estrellas Dylan y Clapton.

La lista de sus colaboraciones es interminable. Más de 32 álbumes grabados con artistas de alto calibre. En cierto modo, Trilok Gurtu ha sido uno de los primeros que ha fusionado la música clásica india y el pop asiático con el Jazz y el Rock, dándole una frescura exuberante a sus composiciones y lanzándolo a la fama.

Os sugiero que exploréis su discografía enormemente rica. Por ahora os dejo un tema de su álbum The Glimpse (Silva Screen.UK.1996) 

Kitaro

Uno de los músicos más destacados de la New Age. Nacido en Toyohashi (Japón), su verdadero nombre es Masanori Takahashi, aunque recibe el apodo que Kitaro (que significa hombre de amor y júbilo). Músico, productor de grabaciones y técnico de estudio, centra su música en la electrónica instrumental, estilo que ya en los 70 experimentaba. 

Al principio de su carrera, sus padres, que eran granjeros conservadores, se opusieron a que su hijo se dedicara a la música, pero al final logra persuadirles y perseguir sus sueños. Durante la universidad y en los años posteriores aprende a tocar la guitarra, la batería y el bajo. Entonces se muda a Tokio para particiar de la movida musical y allí descubre el sintetizador. 

En los 70 se une como teclista a la banda japonesa de rock progresivo Far East Family Band, con cuya agrupación graba dos discos y se va de gira por el mundo. En 1975 conoce la música eletrónica alemana por medio de Tangerine Dream y hace buenas migas con su líder Klaus Schulze. En 1976 deja la banda y se marcha de mochilero por Asia.

Entonces en 1977 comienza su carrera en solitario, hasta el presene, dejando más de 20 álbumes de estudio.

Su música es un viaje de sensaciones a través de diferentes culturas asiáticas, es una sincronización de sintetizadores, teclados, instrumenos tradicionales y efectos sonoros. Tuvo que se espectacular oír y ver sus directos en los setenta y ochenta: todo un despliegue de fuerza.

Os dejamos con un recopilatorio de sus mejores temas. Disfrutad.  

Gencay Burnaz

Nacido en 1978 en Estambul, Gencay Burnaz sintetiza su música con la variedad de culturas que se han cruzado en Anatolia (Turquía) y es por eso que adquiere claros tintes de fusión. Estudió ingeniería forestal a causa de su interés por las Ciencias Naturales y su amor por las plantas y los animales. Su primer contacto con la música lo tuvo con diez años, cuando le compraron un pequeño órgano a pilas. Comenzó a tocar música popular al mismo tiempo que desarrolló habilidades con otros instrumentos hasta que focalizó su entusiasmo por la guitarra. Pasó a tocar en radios y televisiones y, sobre la marcha, empezó a componer sus propias canciones instrumentales, grabadas en su ordenador. Hasta la fecha, en unos 25 años, Gencay ha compuesto más de 300 canciones.

Aquí os dejamos su último trabajo "a bridge between cultures" donde mezcla diferentes instrumentos y estilos. Disfrutad de este gran músico turco.

Masaladosa

Masaladosa (Francia) está etiquetado como un proyecto innovador de Dub, música tradicional hindú y música electrónica formado en el 2002. La banda está integrada por los medio-suizos medio-franceses Pierre-Jean Duffour, Brice Duffour y por Franck Lemoine, los cuales en los últimos años han compuesto también la banda sonora de varias películas como Sita Sings the Blues, For Real y Garam Masala, además de colaborar con artistas como Anoushka Shankar, Manu Dibango o Adrian Sherwood.

Masaladora, representantes de la multuculturalidad, ha tomado diferentes componentes de la música india fusionándolos con sonidos modernos, electrónicos y ambientales. Si escuchamos un disco de estos chicos nos transportaremos a un universo sacralizado, religioso y místico, al mismo tiempo que luminoso, puesto que en sus directos compaginan la música con los proyectores de imágenes.

Sus trabajos son: el EP "Baraka" (2002), "Chill Aum" (2005) y "Electro World Curry" (2008), grabados en Real World Studio (UK), perteneciente al celebérrimo Peter Gabriel.

El siguiente tema, de su disco "Electro World Curry", transpasa continentes y fusiona generos, detrás de cuya voz se encuentra el cantante de reggae Rod Taylor, también conocido como Rocky T.

Yemen Blues

"It doesn't matter where you come from, your language is my language" (no importa de donde vengas, tu lengua es mi lengua).

Con estas palabras se anuncian Yemen Blues, una banda formada por todo un elenco de percusiones, instrumentos de cuerda tradicionales y vientos, a cuya cabeza se encuentra Ravid Kahalani, un yemení nacido en Israel y miembros naturales de Finlandia, Uruguay y U.S.A. quienes son capaz de hacernos bailar a base de una magnífica fusión entre antiguas melodías yemeníes, ritmos africanos, mambo y funk. En el 2011 Yemen Blues se estrenó por la puerta grande siendo invitado al GlobalFEST, el festival de música del mundo más prestigioso de América, después de lo cual, ha seguido tocando en diferentes festivales de Jazz y música fusión.

Aquí os presentamos su primer single titulado "Um Min Al Yaman", cuya canción cuenta un viaje a la montaña donde el cantante ve la visión de una mujer yemení saludándole, pero al instante, una voz interior le habla y se da cuenta que está solo; se trata quizás de un rito ancestral. 

Espero que lo disfrutéis.