Virtuoso,
ecléctico, innovador. Con estos apelativos presentamos a uno de los
guitarristas más importantes del mundo del Jazz. A John
McLaughlin se le conoce por haber grabado con su guitarra
eléctrica en, nada más y nada menos, cuatro álbumes del
trompetista Miles Davis: “In a Silent Way”,
“Bitches Brew”, “Jack Johnson” y “On the
Corner”. McLaughlin es recordado por sus solos en el mítico
concierto en San Francisco de 1981, junto a Paco de Lucia
y Al Di Meola. O por el Grammy obtenido en el 2018 por
el mejor solo improvisado de Jazz. Si recorremos la vida de este
fenómeno, no nos dejará indiferente, y podremos observar que una de
sus máximas consignas fue los múltiples proyectos de fusionar el
Jazz con otros estilos del mundo.
Sin
embargo, lo que nos ha llevado a escribir este post no es su
inconmensurable carrera, sino uno de los discos que encontramos en
las cloacas de Berlín. “My goal's beyond” (1971)
es su tercer disco en solitario, el cual se enmarca en la corriente
que en su día fue etiquetado como “Spiritual Jazz”. Ésta
fue la búsqueda espiritual de muchos artistas sumergiéndose en la
música de la India y en el “ritmo modal”. Particularmente
con este álbum McLaughlin marca su primer cambio estilístico
aparcando a un lado la guitarra eléctrica y sacando lo mejor de la
guitarra acústica. Este álbum, además, está fuertemente
influenciada por la música de la India, y fue dedicado a su líder
espiritual, el gurú Sri Chinmoy. De hecho, tanto él
como su esposa, la cual también participó en la grabación del
mismo, serán bautizados con el nombre de "Mahavishnu".
La
estructura de este trabajo tiene dos piezas. La cara A
("Peace One" y "Peace Two") se mueve en la fusión entre Jazz y música modal hindú e incluye saxofón soprano, flauta, violín y percusión india. La
cara B contiene ocho composiciones cortas (tres estándares y
cinco originales) interpretadas por McLaughlin con guitarras
acústicas, y con puntuaciones ocasionales de los platillos de Billy
Cobham.
Os
deseamos que disfrutéis. ¡Viva la música!
Felipe
Campuzano es uno de los compositores andaluces más
paradigmáticos de los últimos tiempos. Ha tocado practicamente por
medio mundo, dando recitales musicales en las principales
universidades de Estados Unidos, Emiratos Árabes o Europa. Además,
es uno de los músicos insignes de Andalucía, rompiendo con los
estereotipos y los tópicos que se tenían de esta tierra y otorgando
a los anales de la historia musical una frescura compositiva y
original sin precedentes. Pianista de galones superiores, se le conoce
también por haber compuesto temas tan emblemáticos como “Achilupú”,
“Precaución amigo conductor”, o “Te estoy amando
locamente”, de 1974, interpretado por el dúo LasGrecas. Para las nuevas generaciones Campuzano es un autor
desconocido, pese a que ha grabado más de 3000 temas.
Siendo
un niño cursó estudios de piano durante cinco años en el
conservatorio Manuel de Falla de la ciudad de Cádiz. Posteriormente
se trasladó a Madrid para estudiar en el conservatorio Superior y.
más tarde, cursó en los conservatorios de París y Londres.
El
disco que vamos a compartir esta semana se trata del segundo volumen
de una trilogía que pudo haber estado formado por ocho volúmenes
(las provincias andaluzas), pero que finalmente se quedaron en tres:
Cádiz (volumen 1), Sevilla (volumen 2) y Jaén (volumen 3). En el
volumen que no atañe, “Espíritu
de Andalucía” (1978)
el pianista compone ocho temas grabados por el sello AMBAR
(España) y distribuido en Alemania por Intercord.
Se tratan de ocho joyas instrumentales que evocan lo más enraizado,
profundo y místico de Andalucía, donde las escalas del piano
adquieren una belleza natural y rítmica. Les dejamos que lo
escuchen. ¡Sonido 100% vinilos! Encontrado en los mercados
berlineses de segunda mano.
Hablando
de instrumentos del mundo, el buzuki tiene denominación de origen. Y
ésta es Grecia. Perteneciente a la familia de los cordófonos, con
su cuerpo en forma de pera, al tocarse se asemeja a la mandolina en
ciertos timbres. Su origen se remonta a la Antigua Grecia y se hacía
llamar “panduris”. Sentó un precedente entre los
instrumentos de cuerdas de entonces al poseer trastes, con los cuales
las notas se hacían más precisas. Según las fuentes, el buzuki fue
el precedente del laúd árabe.
En
1923 sucedió la catástrofe de Asia Menor y muchos territorios
griegos, como la ciudad de Esmirna, pasaron a formar parte de
Turquía. La población griega de estos lugares tuvo que desplazarse
a Atenas, el Piréo y Tesalónica, llevando consigo sus sentires
musicales, los cuales acabaron fusionándose con el género rebético.
Hay que aclarar que en estos tiempos la música rebética pertenecía
a las capas sociales más pobres y se cantaba sobre el alcohol, la
delincuencia, el hachís y el amor. No es hasta los años 50 cuando
este género alcanza popularidad y reconocimiento a nivel mundial.
Tras
esta breve introducción, pasamos al disco que queremos presentar
hoy, como es habitual, encontrado en los mercadillos berlineses de
segunda mano. Se trata de una grabación del sello Warner Bros
Records de 1978, donde el buzuki es el protagonista indiscutible.
Valiosa antología folclórica, cuyos protagonistas son Míkis
Theodorákis, Mános Hatzidákis y Stavros Xarchakos, los tres
músicos más reveladores e importantes de la música moderna griega. Hagamos
como que estamos bailando cogidos por los hombros antes de haber
bebido raki y sumergámosno en la cultura helénica..
Brontosauři fue una banda de Folk checo fundado en 1972 por los hermanos Jan y Frantisek Nedvěd, sucesores de la antigua banda de "tramping" Toronto, con sede en la ciudad de Jílové u Prahy. Gracias a la creatividad expresiva de los hermanos Nedvěd, la banda se hizo muy popular rápidamente, especialmente después del Festival de Música de Porta. Más tarde, se unieron a los hermanos más músicos, cada uno de los cuales era también miembro de la archiconocida banda checa Spirituál kvintet. Hoy en día, Brontosauři es una leyenda de la música folclórica en la República Checa. La banda se separó en 1994 después del lanzamiento de su octavo y último álbum "Zahrádky".
Brontosauři se enmarca dentro del fenómeno llamado música de vagabundos o tramping (en checo: trampská hudba) y la canción de vagabundos (trampská píseň, trampská písnička). Se basan en estilos de música y canciones asociados con la actividad recreativa de vagabundos checos, especie de antiguos "nómadas" de la europa del este. Su sonido es básicamente música Country americana traducida al idioma checo y mezclada con canciones folclóricas autóctonas. En particular, la música Bluegrass checa es un componente significativo del estilo tramping.
El estilo se originó después de la Primera Guerra Mundial, bajo influencia de las tropas estadounidenses, las cuales trajeron a Europa las músicas Blues, Jazz y Folk, sin olvidar el componente céltico propio del norte. Mientras que originalmente estaba destinado a ser cantado en el camino y en el fuego del campamento, pronto saltó al panorama de conciertos a puertas cerradas.
La serie de CD Nejhezčí české trampské písničky ("Las mejores canciones checas de vagabundos") ofrece una selección de canciones clásicas y populares de este estilo.
Y terminamos con la degustación sonora del séptimo álbum de estudio de la banda, grabado en 1987, donde cuentan con la maravillosa voz de Zdena Tosková.
Las pocas referencias biograficas de este artista se hallan en el "Diccionario Grove de la Música y los Músicos" y son muy escasas. Michel Attenoux (14 de junio de 1930 en París - 24 de abril de 1988 en Laval) fue un sobresaliente saxofonista de jazz francés. En su juventud se dejó influenciar por la ola del Jazz americano, cuya llegada a Europa se produjo durante la I Guerra Mundial con los músicos-soldados puertorriqueños y neoyorquinos negros, los "HarlemHell Fighters". Desde entonces el Jazz se convierte en una moda en Francia que perdura hasta nuestros días.
Attenoux tocó el piano en su juventud, más tarde aprendió a tocar el saxofón soprano y a tocar en círculos locales. Fundó su propio grupo en 1951, que tocó con el trompetista estadounidense Peanuts Holland en 1952 y en 1953 se le ofreció el puesto de banda de la música house en un club parisino llamado Metro Jazz. Allí tocó con Sidney Bechet, Jimmy Archey y otros músicos afroamericanos. A partir de 1955, añadió el saxofón alto a su repertorio, y tocó con jazzistas americanos que visitaban París durante las siguientes décadas; también tocó en el Festival de Jazz de Newport en 1975. En la década de 1970 trabajó con Geo Daly, Marc Laferrière, Al Grey, Eddie Lockjaw Davis y las estrellas de Lionel Hampton. En 1978 formó Les Petits Français con Moustache, Marcel Zanini y François Guin, que grabaron versiones en jazz de las canciones de Georges Brassens.
El disco que a continuación vamos a compartir es un conierto único grabado en el Konzerthaus Stuttgarter Liederhalle, Stuttgart el 15 de Mayo de 1960, con The Latin Jazz Band. Disfrutad.
Siguiendo con la saga de músicas del este de Europa, hoy os quiero hablar de un músico extraordinario que, pese a su elenco de éxitos, muchos quizás no lo conozcáis. Hace unos días, rebuscando en las tiendas de segunda mano de Berlín, me encontré un vinilo bajo el título "Marcel Cellier présente La doina roumaine avec Gheorghe Zamfir" (1969). Al principio no le presté atención. Pero, tras probarlo en el tocadiscos, me quedé muy impresionado. Este álbum me introdujo a ese sabor balcánico, gitano romaní y fusión de culturas que ciertos pueblos tienen. Empecemos por el principio.
Todo empezó cuando el etno-musicólogo suizo MarcelCellier se pateaba los países balcánicos a principios de los 60, en busca de las músicas ancestrales que por estas regiones sobrevivían al paso del tiempo. Fue este también productor quien descubrió e introdujo en la esfera internacional a "Le Mystère des Voix Bulgares" en su sello discográfico "Disques Cellier"; y durante 25 años estuvo cazando talentos en un programa de radio llamado "desde el Mar Negro al Báltico". Muy interesado en la música tradicional de Rumanía, Marcel descubrió a su segunda gran revelación: Gheorghe Zamfir.
Gheorghe Zamfir nació el 6 de abril de
1941, en la ciudad Găești, en el condado de Dâmboviea (Rumanía). En 1955, a la
edad de 14 años, su padre lo matricula en la Escuela de Música de Bucarest (hoy, la Escuela Nacional de Artes Dinu Lipatti), con
la intención de estudiar acordeón, pero es aceptado en la clase de
flauta de pan del profesor Fănică Luca. desde entonces nunca se desprenderá de este instrumento. Después de terminar la Escuela
Superior de Música y el bachillerato (1961), ingresa en el
Conservatorio Ciprian Porumbescu de Bucarest, donde se gradúa con
una doble licenciatura en Pedagogía (1996) y en Dirección de Coro y
Orquesta (1968).
Considerado el maestro de la flauta pan (tipo nai), revolucionó su sonido, por lo que la tradicional flauta de 20 tubos,
se convirtió en la de 22, 25, 28, luego en la de 30 y al final
en la de 42 tubos. Este invento también permitió que la
flauta se introdujera en todos los estilos y géneros musicales.
Fue entonces cuando desde América y Canadá, hasta Australia, Japón o
Sudáfrica, las salas de conciertos estaban repletas: todo el mundo quería
escuchar a Gheorghe Zamfir, la flauta de pan que se convirtió en un
instrumento universal de moda.
El álbum que vamos a escuchar hoy es un conjunto de "doinas": cánticos labriegos cuyo origen se conecta con los țigani lăutari (músicos gitanos), el Klezmer judío y los estilos de Oriente Medio. Fue el disco que lanzó a este flautista a la fama, apoyado por un número de grandes músicos rumanos como Dumitro Farcas (Taragot), Ionela Proden (voces), Efta Botoca (violín), etc. Disfrutad de esta obra única.
Una parte fundamental del folclore búlgaro se halla en las montañas Ródope, una región que alberga costumbres ancestrales plasmadas en un sentir musical único. De hecho, hace dos mil quinientos años los griegos ya hablaban de estas montañas como un lugar de nacimiento de héroes, entre cuyos valles nació el músico Orfeo. Muchos habrán escuchado los místicos cantos y las sorprendentes gaitas de las Ródope, deleite para nuestros oídos y vehículo sonoro para transportarnos a épocas remotas, cuando el ser humano se encontraba en comunión con la naturaleza.
Sin embargo, no podemos obviar a la que fue, quizás, la cantante más influyente de esta región y de la propia Bulgaria. Estamos hablando de Nadezhda Hvoyneva, la cual nación en 1936, en Levochevo (Smolyansko), en el seno de una familia de cantantes. A sus veinte años ganó el primer premio en el Festival de Folclore de Plovidv (1956), que le fue entregada en mano por el compositor y fundador del "Pirin Folk Ensemble", Filip Kutev. Durante dos años formó parte del grupo de canto "Nuestra Canción", junto a un elenco de artistas tales como Gürga Pinjurova, Boris Mashalov, Radka Kushleva. En 1958 se une a la radio nacional búlgara actuando en directo dentro del repertorio de canciones populares. En su paso por la radio grabó cientos de canciones de las Ródope, y paulatinamente filmó numerosas películas con la televisión nacional. Su éxito durante los 60 y 70 la hace actuar en Europa, Asia, América y África. Nadezhda falleció en el 2000 en Sofía. Tras su muerte fue nombrada mujer del año por la American Biographical Institute. El vinilo que vamos a compartir a continuación lo rescatamos de una tienda de antigüedades del casco antiguo de Plovdiv. Se trata de un disco de 1975 bajo el sello "Balkantron", donde tendréis la oportunidad de escuchar la voz de Nadezhda Hvoyneva, la cual resume y representa la esencia de un pueblo de montaña, las Ródopes, con todos sus olores, costumbres, rituales y misticismos. ¡Disfrutad!
El 7 de junio de 1978 Lole y Manuel presentan en La Latina de Madrid su
álbum ‘Nuevo Día’, con el que habían cosechado grandes éxitos desde su
lanzamiento tres años atrás. Dentro del panorama nacional, Lole y Manuel aparcaban
a un lado los tablaos turistizados y ofrecían una bocanada de aire fresco para
los que poco a poco comenzaban a fusionar el noble arte del Flamenco con otros
estilos musicales. ‘Nuevo Día’ fue tan impactante que se convirtió en el himno de
libertad de toda una generación de jóvenes, entre ellos hippies, renovadores y
libertarios resacados, que venían de una nefasta y represiva dictadura. Sin
duda, este dúo fue un exponente vital de ese movimiento que se había generado
en España en la segunda mitad de los años 70 y que luego recibiría el
denominativo de ‘Nuevo Flamenco’.
Lole y Manuel se presentaban ante el público con un toque de exotismo
deslumbrante, con una pureza arrolladora, acompañados por su familia en el
escenario. Guitarras, palmas, coro, baile y derroche de energía. La poesía de
sus canciones hablaba de la naturaleza, del amor, de la luna, del color canela de
la piel gitana, de los ojos negros, de la juventud, del calor de una hoguera y
de un mítico barrio sevillano, el de Triana, que ha sido cuna de grandes artistas.
Entre mayo y noviembre de 1979 los Montoya, con Lole y Manuel a la cabeza, grabaron en los estudios
Kirios de Madrid su segundo álbum. Éste se tituló “Lole y Manuel presenta: familia Montoya. En familia”. Fueron supervisados
por el inconfundible Ricardo Pachón, el productor más importante del Flamenco
Moderno, quien grabó también la Leyenda del Tiempo de Camarón de la Isla, o a
Kiko Veneno y los hermanos Amador. Las letras del álbum estuvieron a cargo del
mismo Manuel Molina, de Pedro Ribera y del poeta sevillano Juan Manuel Flores
como colaboración estrella, el cual ya había contribuido en el disco anterior.
A la guitarra estaban el niño Gero, Roto y Manuel Molina; a las palmas y al
cante Carmen Montoya, la Negra, Carmelilla y Lole; y al baile, Juan Montoya,
Carmelilla y Morito.
Pese a todas las ilusiones, el disco no tuvo el éxito esperado, quizás por
el perfil ortodoxo de su producción sin sobrepasar la línea de lo tradicional. Ahora bien, observándolo desde la retrospectiva del tiempo, “Familia Montoya”
es una obra póstuma de alta calidad. Corte clásico del flamenco gitano con
sus descargas de tangos y bulerías. Las afiladas voces de las empoderadas féminas
adquieren una armonía perfecta y el juego de palmas le da fuerza y vigor a la
canciones. Si a esto añadimos la profundidad de sus letras, no cabe duda que
tenemos ante nosotros un disco impresionante que ha pasado totalmente desapercibido.
La cara A del vinilo abre con “tangos de la virgen”, “gitana soy”, “tangos
de la abuela” y “Carmelilla”; son una oda al mundo gitano, en cuyas letras podemos
entre leer elementos y costumbres de su pueblo: El “nagüao” o enaguas (la falda
que identifica a la mujer gitana), el canastero (oficio gitano de confección de
canastas de mimbres y cañas), la hierba buena (la flor aromática más idolatrada
por ellos), la vida en libertad y una virgen que es gitana y tiene la cara
morena.
En la cara B se encuentran los versos del poeta Juan Manuel Flores “la Giralda
si se casa”, “yo soy el agua”, “morena de alegría” o “luna lunera”; poemas
rebosantes de amor a la naturaleza, a los sentimientos más sinceros y a una Sevilla
engalanada con su mejor traje de flamenco.
Para la portada del disco, la familia Montoya contó con las fotografías de S.
Monforte, Javier y Jacobo; y para los contenidos tuvieron el detalle de
escribir a mano las letras y los contenidos, lo que le da un toque muy especial.
En el siguiente link podréis escuchar el disco completo:
Nos trasladamos a Alemania para hablaros de un "colectivo musical" que ha trascendido las épocas y ha adquirido tintes de universalidad. Este colectivo se llamaba Embryo, y sin duda rompió con los moldes de su tiempo en lo que a música y perspectiva se refiere, pues actuó como una especie de "sindicato" que acogió a cientos músicos de todo el mundo, y desde cuyo colectivo se asentaron las bases de la Música del Mundo moderna alemana. Además, en 1976 crean su propio sello discográfico independiente, llamado Schneeball, iniciativa muy valiente en aquellos tiempos para hacer frente a los grandes de la industria como PolyGram, RCA Records or Warner Music Group.
EmbryoNació en 1969, ideado por el multi-instrumentalista Christian Burchard (batería, vibráfono y teclado) y Edgar Hoffmann (saxofón y flauta). A día de hoy, más de 400 músicos han desfilado por este colectivo, músicos reconocidos como Trilok Gurtu, Mal Waldron, Nick McCarthy or Charlie Mariano; y de gran talla como Dieter Serfas (percusionista), Roman Bunka (guitarra y oud), Uve Müllrich (bajo), etc. En 1979, después de una primera fase Jazz Rock, se embarcan en un viaje fascinante -y nómada- a la India, Afganistán e Irán en bus, con el objetivo de dar conciertos y tocar con músicos locales asiáticos. El resultado fue un viraje sistemático, abrigando la Música del Mundo. Hay un extraordinario documental, "Vagabunden Karawane", dirigido por Werner Penzel, quien acompañó al grupo en su travesía, cuya obra se encuadra entre el género musical y antropológico.
La discografía de Embryo es extensísima, con 38 álbumes publicados desde 1970 a 2016. Christian Burchard, líder de la banda, falleció este año desafortunadamente.
Os dejamos con su metamorfosis musical: el disco que grabaron en su viaje a Asia. Embryo's Reise (1979). ¡Disfrutad!
Vamos hablar hoy de una banda con una larga trayectoria musical, el cual demostró marcar una tendencia de lo más innovadora allá en los ya lejanos años 90. A los londinenses Transglobal Underground se les dio la etiqueta de "padres" de la Electro-World music, combinando influencias occidentales, africanas y asiáticas. Aunque la banda siempre ha tenido como cerebros del proyecto a dos multi-instrumentalistas, Tim Whelan (teclados, guitarra, flauta, melódica, vocales y programaciones), y Hamilton Lee (percusión, batería, teclados y también programaciones), por su line-up han desfilado multitud de excelentes y reconocidos artistas del panorama de la música del mundo underground de Londres. Entre ellas se encuentra Natacha Atlas (cantante/Egipto), con la que grabaron varios discos.
Hamilton y Tim venían de la escena Art-Punk Psicodélica de los años Ochenta. Formaron incluso una banda llamada Furniture. Pero sus gustos musicales comenzaron a alejarse de esta esfera y acabaron absorbidos por la música de otras culturas y continentes. Con la idea de ir con la ola del Electro music, que a finales de los 80 empezó a emerger de forma imparable, ambos músicos sabían que tenían el potencial para mezclar los mundos y así surgió Transglobal Underground. En 1991 graban su primer single con Natacha Atlas, "Temple Head", y consiguen firmar con el sello Nation Records. Aunque no fue un éxito, consiguió ser nombrado "single de la semana" por la prestigiosa revista Melody Maker. Tendrían que esperar hasta 1994 para lanzar su primer álbum completo. Su gran salto lo dan cuando en los juegos olímpicos de 1996 Coca-Cola toma su "Temple Head" para uno de sus anuncios, catapultando a la banda a nivel mundial.
Desde entonces no han parado. Con 16 álbumes, recopilatorios y remixers. Aunque su último álbum fue grabado en el 2013, todavía continúan dando conciertos. Os dejamos con uno de mis temas favoritos, "Awal". ¡Disfrutad!
Un puente entre dos mundos. Una unión de culturas bajo el estandarte de la música universal, la música del mundo. Violines chinos, guitarras de caravanas, cánticos de la lejana Mongolia y ritmos que sugieren desde paisajes esteparios a valles verdes se fusionan en este interesante proyecto musical encabezado por el multi-instrumentalista y viajero de origen francés Mathias Duplessy, en conjunción con tres violinistas excepcionales, el escandinavo Aliocha Regnard, el chino Guo Gan y el mongol Enkhjargal Dandarvaanchig; cada uno de ellos con su tradicional instrumento a cual más virtuoso.
Esta formación a recorrido los mejores festivales de música del mundo. Su estilo es una panacea para conocer diferentes sonoridades, una mezcla de folclore mongol, tradición china, blues callejero o templanzas celtas. No me cabe duda que este grupo me ha sorprendido, llevándome con su música al calor de una hoguera nómada. Os dejamos con su disco completo y un vídeo en directo. ¡Disfrutad!
Kaya Project es la encarnación de Sebastian James Taylor y Natasha Taylor, afincados en el Reino Unido. Llevan componiendo música desde el 2004, desde que lanzaran su disco 'Walking Through', al que le siguieron 'Elixir' (2005), '...& So It Goes' (2008), 'Desert Phase' (2010) y 'Firedance' (2014). Han puesto la banda sonora a numerosas producciones de la BBC, como por ejemplo el conocido documental 'Buddha, Bees & The Giant Hornet Queen', así como ha formado parte de la celebérrima colección Buddha Bar de Claude Challe.
Sebastián toca la guitarra y otros instrumentos, encargándose de la programación y producción musical, mientras que su hermana Natasha contribuye con su voz, el teclado y la flauta. Ambos han dado la vuelta al mundo de gira, tocando en Japón, USA y Canadá.
La música de Kaya Project posee sabores cálidos del dub asiático, la electrónica (psy-trance, downtempo) y la música del mundo. Colabora con docenas de músicos de todo el planeta, convirtiendo sus piezas en auténticas sinfonías que nos transportan a desiertos, montañas y culturas perdidas. Os dejamos con su último álbum 'Firedance'. Disfrutad.
La primera vez que escuché a Bulgara fue el verano del 2015. Mientras cruzábamos los Balcanes en furgoneta, sonó en la radio su tema "Baklava", en la cual habían mezclado ritmos tradicionales con el Drum&Bass. Desde el primer momento supe que se trataba de una gran banda.
Hay que decir también que esta mezcolanza musical es fruto las múltiples influencias de un país que ha sido una encrucijada de culturas entre Europa y Asia. Estamos hablando de Bulgaria. Es por este motivo que este país guarda en su panorama underground musical formaciones tan ricas como Bulgara.
Bulgara está formado por nueve miembros: Kostadin al Kaval, Dimitar al tambor, Kristina a la gadulka, Petio a la gaita, Chavdar al bajo, Stoyan a la percusiones, Eva a la voz y a las percusiones y Kiril como programador. Todos ellos experimentan con la música autóctona y los ritmos jazziticos, el funk, lo progresivo y los formatos rítmicos electrónicos.
Hoy queremos introduciros a una banda verdaderamente peculiar. Se trata de Chlopcy Kontra Basia, que traducido al español sería "Los Chicos contra Basia". Trío polaco que ha decidido hacer de la simpleza musical una obra atractiva y llena de fuerza. Y dije "simpleza" porque, si nos ponemos a escuchar su disco Oj Tak!, voz, contrabajo y percusiones constituyen el grueso compositivo. Aunque sin duda lo más visible es la voz de su cantante líder, Basia Derlak, quien nos deleita con su timbre acrobático, dramático, usando en ocasiones técnicas de scat.
La historia de Chlopcy Kontra Basia empieza cuando la cantante abandona sus estudios de piano y clarinete tras diez años de duro trabajo en el conservatorio. Comienza, pues, un período de exploración en el cual intenta encontrar su propio estilo, y es cuando viaja a Bulgaria, donde conoce las baladas de las aldeas del Pirin. Aquí le preguntan si quiere cantar en un grupo, pero ella se niega por el desconocimiento de la cultura local. Entonces, regresa a Polonia con la idea de montar su propia banda folk, se muda a Cracovia en el 2009 y pone un anuncio en busca de músicos. Así es como nace este proyecto. Riverboat Records los descubre en el concurso online "Battle of the Bands" y a partir de entonces son conocidos en su país y ahora en todo el mundo.
El estilo de estos chicos se define como una sabrosa receta con ingredientes jazzistico-folklóricos, y con letras surrealistas tomadas de antiguos relatos. Os dejamos con su oda Wieczerza (el almuerzo). ¡Disfrutad!
Además de artista, Ana Alcaide es una investigadora de antiguas tradiciones y culturas. Nació en Toledo y, mientras estudiaba biología, viajó a Suecia donde descubrió "la viola de teclas", un instrumento antiquísimo del folklore sueco y que se introdujo en España gracias a ella.
Su música se describe como una síntesis de elementos medievales toledanos con toques ancestrales de la música mediterránea. Su primer trabajo, "la Cantiga del Fuego" (2012) es una oda a la tradición medieval española, aunque utilizando elementos de otras culturas. En este trabajo se puede percibir una energía que procede de tiempos muy lejanos, haciédonos viajar por aquellos siglos a través de la música. Tras el triunfo que cosecha con su disco, comienza su gira mundial. En el 2015 inaugura "Tales of Pangea", un proyecto de estudio musical en el que se entremezclan multitud de músicas y músicos del mundo. Y es en el 2016 cuando lanza "Leyendas", inspirado en historias y leyendas de mujeres ancestrales de España y Europa.
Os dejamos con uno de los temas de su nuevo trabajo ¡Disfrutad!
Terrakota es una banda de Portugal que nace en 1999, cuando algunos músicos de Lisboa regresan de un largo viaje por tierras africanas (Burkina Faso), de cuya epopeya sustrajeron lo mejor de la cultura local. Terrakota comienza a hacer busking en las ciudades más importante de Europa y poco a poco van conformando un estilo propio en el que mezclan reggae, música brasileña, africana e influencias de otras culturas como hindú.
Después de su primer disco (2002) consiguen grabar un segundo trabajo en los estudios del célebre Youssou N'Dour en Dakar, álbum titulado "Humus Sapiens". Con este álbum consiguen tocar por todo el mundo en festivales y conciertos propios: Argentina, Burkina Faso, India, Cuba, Marruecos y Turquía, entre otros. En sus dos últimos discos Oba Train y World Massala (2007, 2010) la banda se ha dejado influenciar por estilos de la India.
Terrakota hacen una música fresca, anti-capitalista; critica el sistema consumista actual; esto les ha llevado a grabar sus discos en sellos independientes para plantar cara a la industria comercial. Os dejamos con el sexto y último álbum de 2016, Oxalá, en el cual podremos viajar por las diferentes culturas del mundo a través de su música ¡Disfrutad!
Elbicho fue una banda que durante la primera década del siglo XXI dio mucho de qué hablar en España. Este proyecto musical nació en Madrid, cuando sus miembros, salidos de la Escuela Popular de Música, tocaban en pequeñas salas o haciendo "busking", considerándose ellos mismos herederos del rock andaluz y del flamenco fusión. Llegaron a decir, una vez, que ellos eran los Triana del nuevo siglo.
La música de Elbicho se caracteriza por la fusión entre estilos variados que van desde el flamenco, el rock, el jazz y pasando por ritmos africanos y del Magreb. En el 2003 lanza su primer gran trabajo, de título homónimo, con la colaboración de grandes artistas como Tomasito, Jorge Pardo y Carles Benavent, el cual llega a ser disco de oro en menos de un año. Tras varios discos más, en el 2010, se separan y el cantante Miguel Campello y lider empieza su carrera en solitario.
Los miembros de la banda fueron: Miguel Campello (cantante), Victor Iniesta (guitarra), Carlos Tato (bajo), Toni Mangas (batería), Juan Carlos Aracil (flauta), Pepe Andreu (trompeta), David Amores (percusión) y Mario Díaz (teclado).
Os dejamos con su primer álbum donde podréis discernir un montó de influencias del rock psicodélico y progresivo, el flamenco y la música magrebí. ¡Disfrutad!
Hadouk Trio está formado por tres músicos virtuosos, los cuales manaron de la escena parisina (Francia) y que supieron fusionar, de manera sublime, la música del mundo con el Jazz. El primero de los miembros del grupo se llama Didier Malherbe, maestro de los instrumentos de viento (saxofón soprano, clarinete, ocarina, flautas y duduk), componente de los míticos Gong, Bloom y Magma; luego tenemos el multi-instrumentista Loy Ehlrich, también originario de París, quien toca el sintetizador, los teclados, el kora y el Hajouj, experto de la música africana y marroquí; y por último, para completar el trío, Steve Shehan, de Virginia, piloto y aventurero, y percusionista empedernido que ha tocado con Paul Simon, Jon Hassel o Ryuichi Sakamoto.
Este excepcional trío compone una música instrumental mágica, cristalina, cálida, que nos transporta a otras culturas a través de las notas de una porción de instrumentos del mundo, que van desde Armenia, Marruecos, la música espiritual Gnawa, el continente Africano y los de factoría moderna. Es obligatorio escuchar su discografía (1999-2010) y no dejar pasar indiferente ante esta maravillosa formación.
Masaladosa(Francia)está etiquetado como un proyecto innovador de Dub, música tradicional hindú y música electrónica formado en el 2002. La banda está integrada por los medio-suizos medio-franceses Pierre-Jean Duffour, Brice Duffour y por Franck Lemoine, los cuales en los últimos años han compuesto también la banda sonora de varias películas como Sita Sings the Blues, For Real y Garam Masala, además de colaborar con artistas como Anoushka Shankar, Manu Dibango o Adrian Sherwood.
Masaladora, representantes de la multuculturalidad, ha tomado diferentes componentes de la música india fusionándolos con sonidos modernos, electrónicos y ambientales. Si escuchamos un disco de estos chicos nos transportaremos a un universo sacralizado, religioso y místico, al mismo tiempo que luminoso, puesto que en sus directos compaginan la música con los proyectores de imágenes.
Sus trabajos son: el EP "Baraka" (2002), "Chill Aum" (2005) y "Electro World Curry" (2008), grabados en Real World Studio (UK), perteneciente al celebérrimo Peter Gabriel.
El siguiente tema, de su disco "Electro World Curry", transpasa continentes y fusiona generos, detrás de cuya voz se encuentra el cantante de reggae Rod Taylor, también conocido como Rocky T.
Radio Tarifa fue una banda española de música del mundo, la cual mezclaba el flamenco, música árabe y andalusí de la Edad Media (judía y mora), además de dar también varias pinceladas caribeñas, egipcias y griegas a sus canciones. Con un nombre que alude a Tarifa (Cadiz), el pueblo más próximo a África desde donde se puede ver incluso la costa de Tanger, Radio Tarifa podría catalogárse como la formación más original andaluza de los últimos veinte años.
La formación estuvo compuesta por el percusionista Fain Dueñas (España) y el flautista Vincent Molino (Francia), los cuales fueron alumnos del multi-instrumentalista marroquí Tariz Banzi, a quienes se unión el trobador del flamenco criado entre gitanos Benjamín Escoriza (Granada). Su primer álbum, "Rumba Argelina", fue grabado en 1993, con cuya pieza de estudio lograron dar la vuelta al mundo, tras lo cuál tuvieron una actividad musical que duró 14 años. En estos años grabaron cuatro discos más (Temporal, Cruzando el río, y dos directos, Fiebre y Live in Palestine)
En el 2006 decidieron dar un concierto de despedida en Barcelona. Radio Tarifa nunca volvió a los escenarios y su cantante, Benjamín Escoriza, murió en 2012.
Abajo os dejamos su maravillosa canción "Bulerías turcas".
